Künstler haben sich schon immer mit der Natur beschäftigt und sich mit ihr auseinander gesetzt. So ist auch die derzeitige Ausstellung im "Schauraum-Wachszinshaus" als Versuch anzusehen, sich der Vielfalt und Schönheit der Natur anzunähern und

über ihr Werden und Vergehen zu reflektieren, vielleicht in dem Sinne, daß wir unsere permanenten zerstörerischen Eingriffe überdenken, damit ihre Schönheit keinen unwiederbringlichen Schaden nimmt. 

Die Eröffnung fand ohne Publikum statt.

  Algenfischen bei Nacht         Zeichnung und Grafik     von  Matthias Plenkmann

Es gibt sie wirklich, die Szene des Algenfischens, die Matthias Plenkmann, der junge und schon preisgekrönte Zeichner und Grafiker mit seinem Zeichenstift beobachtet hat. Es war eine eindrucksvolle Rettungsaktion von jungen Fröschen in einem Schlossteich in Schwetzingen, um ihnen das Leben zu retten. Ihnen drohte der Sauerstoff auszugehen.

Nun soll man junge Künstler, nein alle Kunst- und Kulturschaffenden nicht mit Kaulquappen vergleichen, aber eine Rettungsaktion ist auch hier angesagt. Wie im Fall der Frösche ein Übermaß an Algen ihnen die Luft zum Atmen nahm, so geht es in Corona-Zeiten auch den Künstlern, gerade auch den jungen, wie Matthias Plenkmann, die damit anfangen sich Aufmerksamkeit und Anerkennung zu erarbeiten. Dazu braucht es Öffentlichkeit. Das wissen auch die Betreiber des Schauraums am St. Georg Kirchplatz in Hattingen. Seit Corona das Leben bestimmt, ist es auch in der guten Stube der Stadt stiller geworden. Nun versuchen Peter Nyman und Annette Schulze Lohoff eine Ausstellungseröffnung unter Corona Bedingungen zu der herzlich eingeladen wird.

Matthias Plenkmann ist nicht zum ersten Mal in Hattingen. Er schafft nicht nur selbst außergewöhnliche Zeichnungen und Drucke, er kann auch wunderbar über Kunst sprechen. So begegneten sich Matthias Plenkmann und die Ausstellungsmacher des Schauraums, denn vor gut einem Jahr hielt er die Eröffnungsrede für seinen Künstlerfreund Julius Reinders. Beide sind am Niederrhein aufgewachsen. Nun spricht Julius über seinen Freund Matthias. Man darf gespannt sein.

Was Matthias Plenkmann schon als Kind leidenschaftlich gemacht hat, zeichnen,

setzt er heute als freier Künstler mit experimentellen Druckgrafiken weiter fort, mit einem Atelier in Dortmund, das er sich mit einigen anderen teilt. In einem ehemaligen Frisörsalon an der Ecke hat er sich mit seiner Druckerpresse niedergelassen; hier ist Raum und Atmosphäre für kreatives Denken und Arbeiten.

Nach dem Kunststudium in Dortmund und Stuttgart als freier Künstler zu arbeiten,

ist kein leichtes Unterfangen und trotz der neuen Kommunikationstechniken ist er viel unterwegs, um im Kunstmarkt Fuß zu fassen, etwas zu verkaufen, dabei zu sein. Er arbeitet für Museen, hält Vorträge, hat bereits bundesweit ausgestellt und erhält nun in Kürze den Günther-Drebusch-Kunstpreis in Witten. Broterwerb gehört

zum freien Künstlertum dazu und so strebt Matthias Plenkmann eine künstlerische

Lehrtätigkeit an, vorzugsweise in der näheren Umgebung von Dortmund oder Essen.

Seine große Leidenschaft bleibt aber das Schaffen eines zeichnerischen und druck-

grafischen Werks, sei es im Atelier mit traditionellen und neuen technischen Möglichkeiten oder als Künstler, der sich seine Orte erwandert mit dem Zeichenblock unterm Arm und direkt mitten in einer Stadt oder Landschaft skizziert und seine Eindrücke auf Papier festhält. Der Rhythmus des Gehens und des Aufnehmens der Umwelt geht direkt in die Zeichnung über, verschiedene Ansichten einer Stadt beispielsweise verdichten sich zu einer vielschichtigen Komposition aus Fragmenten des Gesehenen, als sei er überwältigt von den Eindrücken. skizzenhaft festhalten, was er gesehen hat, ein Prozess der künstlerischen Auseinandersetzung mit der sichtbaren und emotional erlebten Umwelt. Man kann es auch einfach sagen: Matthias Plenkmann hält fest, was ihm wichtig erscheint.

Die Blätter sind so leicht, locker beschwingt hat jemand gesagt. Das ist wahr, die Blätter leben von einer schnellen optischen Auffassungsgabe des Künstlers und der

gekonnten Umsetzung in Grafik und Zeichnung mit viel Raum für Phantasie und hoher Freiheit in die technischen Gestaltungsmöglichkeiten. Das macht die Arbeiten so lebendig, aber sie stellen auch Herausforderungen an den Betrachter wegen ihrer Vielschichtigkeit. Jedes einzelne Blatt ist eine Erlebnis- und Entdeckungsreise in die Sichtweise des Künstlers auf diese Welt mit ihren Widersprüchlichkeiten und Schnelllebigkeiten. Es lohnt sich zu verweilen und darauf einzulassen.

Während unseres Atelierbesuches bei Matthias Plenkmann haben wir gute Einblicke in seine Arbeiten und Mappen erhalten. Seine Bemerkung: „Manchmal schaue ich morgens ins Internet. Es kommt vor, dass es dort einen Anreiz gibt, mit einer neuen Arbeit zu beginnen; das entwickelt sich in der Arbeit mit meiner Intuition und meinen Ausdrucksmöglichkeiten weiter.“  Entwickelt sich da eine neue Sichtweise, entdeckt Matthias Plenkmann hier neue Ansätze für seine Kunst ? Er ist im digitalen Zeitalter aufgewachsen, also ein „digitaler Native“, ein digitaler Ureinwohner, aber gleichzeitig kennt er noch das Analoge, z.B. die klassischen Drucktechniken. Als Künstler benutzt er noch die Handzeichnung und die Druckerpresse und stellt großteils Unikate her. Seine Kunst ist handgemacht und individuell, sensibel und spontan die Handschrift. Es gibt da eine Affinität zwischen Künstlerperson und seinem Werk, eine Übereinkunft, mit dem was er macht. 

Mit der Ausstellung des spannendem Werks von Matthias Plenkmann hofft der Schauraum die kulturelle Atemnot der Stadt in Corona –Zeiten zu lindern.

Deshalb werden alle Ausstellungsbesucher gebeten, sich an die geltenden Hygienevorschriften zu halten und ihre Masken nicht zu vergessen.

Eröffnung der Ausstellung: 23. August 2020, 11 Uhr

Schauraum Wachszinshaus

45525 Hattingen

Kirchplatz 14

Dauer der Ausstellung: 24. August bis 20. September 2020

Peter Nyman und Annette Schulze Lohoff

3 Installationen und einmal Bilder in 4 Etappen.   August 2019 - März 2020

Ost-westliche Begegnung im Schauraum - Wachszinshaus

Der Sankt - Georgskirchplatz hat internationales Flair. Hier in der guten Stube Hattingens, dem wohl am häufigsten fotografierten Ort der Stadt, treffen sich Menschen aus der ganzen Welt. Viele kommen als Touristen und sind von der wunderbaren Atmosphäre dieses Platzes fasziniert. Mit der neuen Ausstellung im Schauraum Wachszinshaus gibt es nun eine Begegnung von ganz besonderer Art. Shokubutsu – das japanische Wort für Pflanze ist der Titel des künstlerischen Treffens von Takaja Fujii aus der alten Kaiserstadt Kyoto in Japan und dem Bochumer Bildhauer Christoph Platz. Deren erste Begegnung und der Beginn einer Künstlerfreundschaft fand vor vielen Jahren in Kyoto statt, wo Christoph Platz einige Jahre lebte und ausstellte. Takaya Fujii, schon in jungen Jahren Meister der japanischen traditionellen Malerei Nihonga und des Ikebana trieb es in die entgegengesetzte Richtung. Ihn interessierte die westliche Kunst und wie sich beide begegnen können. Viele Reisen in die westliche Welt führten ihn schließlich zur Kunstakademie nach Düsseldorf, wo er an seiner Fragestellung arbeitete. Sein Material sind die Pflanzen, aus denen er skulptural oder malerisch eigene Welten schafft. Auch der weit über die Grenzen des Ruhrgebiets hinaus bekannte Bildhauer Christoph Platz hat schon in früher Jugend sein künstlerisches Material in der Holzbildhauerwerkstatt in seiner Nachbarschaft in Herne gefunden. Nach seinem Kunststudium in Karlsruhe und Münster verbrachte Christoph Platz zunächst einige Zeit in New York bevor er nach Japan ging. Bei einem Besuch in seinem Atelier, das sich seit Jahren in Bochum befindet, spürt man die Liebe des Künstlers zu seinem Material. Der Duft von frischen Holz kommt einem entgegen, noch zu bearbeitendes Holz steht zum Trocknen zwischen fertigen und sich in Arbeit befindenden Werken. Christoph Platz arbeitet gegenständlich. Man kommt ins Staunen, wenn man sieht, wie der Künstler mit dem Holz umgeht. Manchmal wirken Oberflächen wie feine detailreiche Zeichnungen, dann wieder glatt wie eine Kunststofffläche. In Gespräch entdeckt man den Philosophen im Künstler, der weiß, wie lange ein Baum braucht, bis eine Skulptur aus ihm werden kann, der sich Zeit nimmt für seine Arbeit und man versteht die Freundschaft zwischen dem Japaner Takaya Fujii und dem Deutschen aus Bochum.

In der Ausstellung im Schauraum Wachszinshaus, Eröffnung am 19.05.2019 und 11.00 Uhr, arbeiten beide Künstler mit pflanzlichen Material, Takaya Fujii mit Blättern, Blüten und Zweigen und Christoph Platz mit Holz. Es ist ihre erste gemeinsame Ausstellung, die eigens für diesen Ort entsteht. Beide sind künstlerisch stark in den Traditionen ihrer künstlerischen Heimat verwurzelt, kennen aber die Kultur des anderen gut und sind davon beeinflusst. In der jahrzehntelangen Hinwendung zu ihren Materialien haben beide ein unverwechselbares Werk geschaffen. Holz, Pflanze, Blüten, Blätter werden im Schauraum zur Kunst und das meisterliche Schaffen an „ihrem Material“ ist einmalig in ihrer Art. Die Ausstellung versucht das  Wesen des Pflanzlichen aufzuspüren, ihm eine Form zu geben und damit etwas Immateriellem Raum zu geben, das nach außen dringt, den Betrachter berührt, beseelt und vielleicht auch irritiert. So schweben auch im Schauraum Bezüge zu dem, was bei uns Memento Mori, in Japan Shi wo omoe – denke an den Tod – heißt, zum Vergänglichen, Vergehenden und Fehlenden, so Christoph Platz zu den Arbeiten. Wem dieser Bezug zu schwer ist, findet in der Ausstellung vieles andere, was zum Nachdenken anregt, auch Freudiges, Erheiterndes oder auch Erstaunliches und nicht zu vergessen Schönheit und Harmonie.

Zur Ausstellungseröffnung wird herzlich eingeladen:

Sonntag: 19. Mai 2019 – 11.00 Uhr

Schauraum Wachszinshaus 

45525 Hattingen

Kirchplatz 14

Die Ausstellung dauert bis zum 15.Juni 2019

Eröffnung 31. März 2019    11 Uhr

Dauer: bis 5. Mai 2019

Ein paar kurze Worte zur langen Geschichte des Malers Sabahattin Sen

Es kann überall geschehen: an der Ruhr mit ihren Auerochsen am Ufer oder am Rhein, dass jemand auf eine Landschaft schaut und überwiegend Farben sieht. Es war damals der Bosporus, auf den Sabahattin Sen schaute.

An seiner Seite eine junge Frau. Beide sprachen über Kunst, der Lehrer mit seiner Schülerin, darüber, was ein Künstler sieht und was er malt. Die junge Frau sah Wellen, Schiffe, das Ufer und die Möwen in der Luft. Sabahattin Sen sah vor allem Farben, auch beim Betrachten der Bäume. Diese Situation liegt viele Jahre zurück.

Es war etwa das Jahr 1980. In seiner Heimat Türkei war Sabahattins Vision von Kunst, von abstrakter Malerei nicht gefragt. 1980 war eine politisch unruhige Zeit, das Militär putschte.

So machte sich der noch junge Maler auf den Weg nach Köln, um dort noch einmal Kunst zu studieren und die Entwicklung u. Freiheit westlicher Kunst kennenzulernen und neue Wege zu gehen. In seiner Heimat war er bereits Lehrer und Kunsterzieher und übrigens ist Köln die Partnerstadt von Istanbul, welch ein Zufall!

„Vor mir das Meer – nur Farben“ ist nun der Titel dieser Ausstellung. Farben sind Sabahattin Sens Heimat geworden und gleichzeitig hegt er den Wunsch, es möge sich die Farbe und die Kunst als Brücke zu den Menschen erweisen.

Sabahattin Sen hat in den Folgejahren eine ganz eigene Handschrift entwickelt und bis heute vielerorts ausgestellt, natürlich in Köln und in Istanbul, im Ruhrgebiet, aber auch europaweit in anderen Ländern, wie Belgien und in Österreich und nun auch in Hattingen.

Nach mehreren Besuchen hier am Kirchplatz hat es ihm dieser Ort besonders angetan, mit seinem Leben und den aufgeschlossenen Nachbarn, so daß wir diese Ausstellung realisierten, auf dass  es auch an trüben Tagen aus den Fenstern hinaus leuchtet auf den Platz, auch beim Gang unter einem Regenschirm.

Sabahattin Sen ist über seine Beschäftigung mit der Farbe hinaus ein sozial engagierter Künstler. „Streit-Macht-Streit“, „Arbeitswelten“, „vom Schmerz der Geschichte“ sind beispielsweise die Titel einiger seiner Projekte. Oder auch die Wandmalereien mit internationalen Jugendgruppen zeugen von sozial oder politisch engagierten Arbeitsmöglichkeiten eines Künstlers über die Arbeit mit den Leinwänden hinaus.

Hier sind sie nun, die Leinwände mit ihren Farben. Gemalt mit den Spitzen der Farbtuben, getropft, in Linien gezogen, enden sie an den Rändern der Formate und setzen sich im nächsten Bild fort. So ergibt eins das nächste, aber jedes einzelne wie ein abgeschlossener Block und jedes anders. Im wahrsten Sinnes des Wortes vielschichtig, flüssig und pastos wechseln sich die Farben ab, man kann Distanz zu den Bildern wahren oder ganz nah herantreten, es entstehen immer neue Eindrücke. Hier malt jemand an seiner ganz eigenen Welt, mit immer neuen Überraschungen und lädt uns ein, daran teilzunehmen und zu erfreuen, Fragen aufzuwerfen und darüber zu sprechen. Die Bilder mögen vordergründig als ein nur rein persönlicher Kosmos von Farbe und Ordnung des Malers erscheinen, das sind sie aber nicht nur:

Sie zeugen auch von der Hartnäckigkeit als Künstler an einer Sache zu bleiben und auch von den Versuchen, der aufgewühlten Malerseele, herrührend auch aus den Lebensumständen, mit Farbe und Form Herr zu werden. Man kann entdecken, dass die große Welt mit ihrer Vielfältigkeit in diesen Bildern schon enthalten ist. Auch etwas von ihren Ungereimtheiten und auch ihrer Brutalität. Die Farbe will schön sein, sie deckt vieles zu aber sie greift auch an, die Augen sehen die vielen Schichten und Spuren, die Verästelungen das Übereinander und Nebeneinander, das Verändern und So-Lassen. So entstehen die Bilder von Sabahattin Sen in seinem Atelier in Köln-Ehrenfeld insgesamt zu einer großen Einheit, ihrem Ausdruck und ihrer stillen Schönheit wie von Meer und Küste rauem Wellengang, den Vorstellungen oder Assoziationen sind hier keine Grenzen gesetzt, vielleicht ist das Meer gerade auch ruhig und der Maler ist in Gedanken am Bosporus oder schon längst wieder an einem Bild mit Bäumen mit kleinen Kreisen angefangen, weil Frühling ist. Jedenfalls lädt er uns ein,  seine Bilder und ihn selbst kennenzulernen.

 Es war Annette und mir ein Anliegen, diesen Künstler mit Teilen seiner Werke hier vorzustellen , weil wir er es außergewöhnlich spannend finden, uns mit ihm zu beschäftigen und weil er sich dem Marktgedränge nach ständig Neuem und „Bildchen-wechsel-dich“ überhaupt nicht anpasst hat. 

               Spaziergang in Syrakus

Vor knapp einem Jahr tauchte er bei einer Ausstellungseröffnung im Schauraum Wachszinshaus auf. Ein junger Mann, Kunststudent aus Dortmund, machte mit seiner Freundin die große Ruhrgebietsfahrradtour, von Haldern, seinem Heimatort an der niederländischen Grenze, an Rhein und Ruhr entlang bis schließlich nach Münster zur Skulpturenausstellung. An diesem schönen Sonntagmorgen im Mai, die beiden hatten in Hattingen übernachtet, kam ihnen der Kunstgenuss am Kirchplatz gerade recht. Angetan vom Ausstellungsraum und der kreativen und offenen Atmosphäre suchte Julius Reinders den Kontakt zu den Schauraumbetreibern. Die Fotos, die er dann von seiner künstlerischen Arbeit schickte, begeisterten spontan. Da zeigte der noch junge Mann mit seinen 24 Jahren eine Ausnahmebegabung. Seine Zeichnungen sind von hoher Qualität und Eigenständigkeit. Viele sind während zahlreicher Studienaufenthalte und Künstlerresidenzen entstanden. Der Sehnsucht vieler Künstler folgend führten seine Reisen vom Niederrhein nach Norditalien und Sizilien, ins Land der großen italienischen Maler, Skizzenblock und Stifte im Gepäck, „Graniti Murales“ sehen und zeichnen, das war das Ziel.

Sitzend auf dem Rand eines Gehweges oder einer Mauer und die alten Bauwerke betrachten, hier ein Wasserspeier oder eine Säule, dort eine Piazza, einen Platz mit Menschen skizzieren, Details, Bögen, Türme; flüchtiges Vorübergleiten der südlichen Welt, festgehalten auf einem Zeichenblatt. Julius Reinders zeichnet auch das Leben in Haldern, Freunde, Begebenheiten, Örtlichkeiten. Da wo andere zum Handy greifen, begleitet ihn, gleichsam einem Tagebuch, sein Zeichenblock und eine Handvoll Stifte.

Sein Studium der Kunst, Schwerpunkt Grafik, bei Professorin Bettina van Haaren absolviert er an der TU Dortmund. Das führt ihn nicht nur in Dortmund vor Ort zum Zeichnen der dort lebenden Menschen, ihrer Arbeit, ihres Lebens, auch ins barocke Schwetzingen, wo italienische Baumeister und Handwerker am Bau des Schlosses wirkten und dort ihre Spuren hinterließen.

Spuren hinterlassen seine Orte und Menschen in den Zeichnungen und Blättern ohnehin, aber eben nicht als „Arbeiterbild“ oder als „Stadt und Bauwerksdokument“, sondern eher als offenes Wahrnehmen seiner Umgebung, eher angedeutet, mit verdichteten Schwerpunkten mit viel weißen Raum ringsherum, nicht das ganze Blatt ausgemalt, sondern von einem Gegenstand zum nächsten. Wie unter einer Lupe tauchen Eindrücke eines Ortes, einer Situation auf dem Papier auf, gelegentlich auch einige Farbinseln. Es sind kleine komprimierte Kostbarbeiten, die zu komplexen Themen zusammenfinden.

Unter dem Titel „Spaziergang in Syrakus“ wird ab Sonntag, den 24.Februar 2019 die Ausstellung von Julius Reinders im Schauraum Wachszinshaus zu sehen sein. In der Woche zuvor ist der junge Künstler mit Zeichenbrett und Stiften in Hattingen unterwegs. Denn diese schöne Altstadt lädt förmlich dazu ein, festgehalten zu werden, so Julius Reinders. Man wird ihm bei der Arbeit über die Schulter schauen dürfen, und wer dazu keine Gelegenheit hat, wird die „Hattinger Motive“ auch in der Ausstellung sehen können.

 Tati Strombach-Becher

Unter Druck: Der gescannte Mensch

Lithographie und Radierung im Wachszinshaus

Gewicht haben die Themen schon, mit denen die Wuppertalerin Tati Strombach-Becher sich in ihren grafischen Arbeiten befaßt, ebenso wie die Steine mit denen sie arbeitet.  Ihr Atelier ist die Werkstatt für experimentelle und traditionelle Druckgrafik im historischen Stadtteil Unterbarmen. Dort  entstehen auf einer über 100 Jahre alten Steinpresse ihre grafischen Arbeiten. Sie drehen sich um den Menschen, um seine Eingebundenheit in die Welt. Der Schauraum im Wachszinshaus zeigt  die Serie: Kunstrasen, Lithografien, menschliche Akte unter einem grünen Scancode. Man könnte meinen, sie sitzen auf einem Rasenstück. Wenn man die Aufmerksamkeit jedoch verschiebt und andere Ebenen der Bilder fokussiert, so ändert sich die Atmosphäre, aus dem Frühstück im Grünen, wird der elektronisch überwachte Mensch.

Tati Strombach-Becher, die in Berlin Kunst studierte, arbeitet in vielen ihrer Werke mit diesem Kippmoment, mit dieser Ambivalenz der menschlichen Existenz. Es gibt da die Serie "janein" in der  verschiedene  Ausdrücke ihres Gesichts zu einem Motiv vereinigt ein Streben nach Balance zeigen . Der Titel der Ausstellung " Zwischen Niewieder und Immerwieder das Glück" macht deutlich, Tati Strombach-Bechers farbkräftige Lithografien und Radierungen sind poetisch wie politisch. Der Mensch mit all seinen Sehnsüchten und Hoffnungen auf Glück  und ein gelingendes Leben stehen thematisch im Mittelpunkt. Das zeigen auch die Arbeiten, die sich um das Gedicht "Radwechsel" von Bert Brecht drehen. Es gibt in der Ausstellung eine Arbeit die den janusköpfigen Brecht zeigt, sehr menschlich und sehr lebendig.  Hier, wie in vielen anderen Drucken wird die hohe zeichnerische und technische Kompetenz sichtbar, die eine Künstlerin beherrschen muss, die sich der traditionellen Drucktechnik verschrieben hat und somit diese über 500 Jahre alten Kulturtechniken bewahren hilft. 

Druckerpressen, egal ob für Tiefdruck oder Lithographie sind keine Copy-Automaten. Rein theoretisch läßt sich die gleiche Arbeit vielfach drucken. Kaum aber gelingt der gleiche Abzug eines Motivs zweimal. Schon der Grund, auf dem gedruckt wird, verändert das Ergebnis. Die Künstlerin experimentiert hier mit mehreren Steinen und Metallplatten und mit sehr verschiedenen Materialien, wie raues Bütten-Aquarellpapier oder auch Stoff. Viele der ausgestellten Arbeiten sind Unikate. Es lohnt sich, sich auf die vielschichtige Ausstellung einzulassen.

Knöterich-Invasion im Wachszinshaus , eine Installation.          Finissage am 30. September 11Uhr

Neue Ausstellung von Annette Schulze Lohoff und Peter Nyman, Hattingen

Eine Rauminstallation mit lokalem Bezug

Ein ungehinderter Eintritt ist kaum möglich, geschweige denn,  sich im Raum frei umzusehen. Man wird an den Rand gedrängt, muss den Kopf einziehen oder sich klein machen.  In Augenhöhe schaut man ins Geäst, man könnte darunter her kriechen, aber wer will das schon?  Der japanische Knöterich hat den Schauraum erobert, nicht ganz ohne Hilfe, wie an der Ruhr, an vielen Srraßen und bis in die Hattinger Innenstadt. Die  Rauminstallation: Fallopia japonica Invasion der beiden Galerieinhaber Peter Nyman und Annette Schulze Lohoff  ist eine künstlerische Auseinandersetzung mit dem Neophyten, der sich nicht nur in Hattingen breit gemacht hat. Seine bis zu vier Meter hohen Stauden mit ihren herzförmigen Blättern gelten als problematische , unerwünschte, invasive Pflanzen.

Ursprünglich im 19. Jahrhundert als Zier- und Nutzpflanze eingeführt, stellte man fest, durch Gartenzäune war sie nicht aufzuhalten, den Rehen schmeckte die Pflanze nicht und so breitete sie sich mit ihren langen kriechenden Sprossen unaufhörlich aus und verdrängt viele heimische Arten. Man könnte denken, bei  der Kunstinstallation Fallopia japonika Invasion handle es sich um ein Werk mit politischem Bezug  wie dem Schutz der heimischen  Pflanzen oder wie man mit fremden Eingewanderten umgeht, deren positive Seiten man nicht kennt. Die hat nämlich der japanische Knöterich, so der deutsche Name von Fallopia japonica, der inzwischen sehr unerwünschten Pflanze sehr wohl. Seine jungen Triebe schmecken wie Rhabarber und im zeitigen Frühjahr gepflückt, lassen sie sich wie Spargel zubereiten. In Japan ist sie eine wichtige Heilpflanze, aus der Wurzel wird eine Tinktur hergestellt, die Blutdruck und Cholesterin senken soll und aus den Stängeln macht man Flöten .

Im Fenster des Schauraums biegen sich in einem großen Schwung über drei Meter lange Knöterichstängel, die den Blick ins Innere des Raumes ziehen. Sie machen deutlich, dass es hier vor allem um Kunst geht. Dass ein Raum erlebbar und wandelbar ist. Das ursprüngliche Ladenlokal im denkmalgeschützen Haus Nr. 14 am Sankt Georgkirchplatz hat sich in den letzten zwei Jahren bescheiden zurückgehalten,  Bildern und Skulpturen sein leeres Inneres zur Verfügung gestellt um sie wirken zu lassen und Menschen zu erfreuen. Selbst Musik und Filmvorführungen gab es dort und es zeigte sich die wunderbare Akustik des Raumes. Nun ist er voll und gefühlt viel kleiner geworden. Das Geäst von Fallopia japonika, erst grün, nun zunehmend ins Rostrote übergehend bildet ein struppiges, widerspenstiges Stück Natur, irgendwie gebändigt und in tagelanger Arbeit im Raum in Form gebracht. Das organisch wie graphisch anmutende Objekt wird zu einem Gegenüber das die Ausdehnung des eigenen Körpers erlebbar macht. Man muss sich klein machen, sich zurücknehmen, will man es nicht zerstören. Immer neue Blickwinkel ergeben sich wenn man das Knöterichgespinst mit dem Rücken zur Wand umrundet. Die Strukturen weiten oder verdichten sich, bilden Nischen, in die man eindringen kann, verstellen den Blick oder lassen durchblicken. Das Wichtigste ist jedoch, dass dieses raumfüllende Wesen scheinbar aus eigener Kraft schwebt, aufgehobene Schwerkraft. 

Läge man darunter und schaute nach oben, so hätte man in etwa den Eindruck, den die beiden Hattinger Künstler beim Bergen des Ausgangsmaterials an den Straßenrändern im Umland und an den Ufern der Ruhr hatten. Mitten im japanischen Knöterich, der sie um Meter überragte , bewaffnet mit Säge und Astschere sammelten sie den ganzen heißen Sommer durch Falloptia japonika Pflanzen.  Für den Aufbau der Ausstellung wurden Unmengen zum Kirchplatz transportiert  und besetzten buchstäblich den ganzen Raum.

An eine Eröffnung war nicht zu denken. Wo sollten die Menschen hin? Nun wird zur Finissage am 30.September um 11.00 Uhr ins Wachszinshaus eingeladen.